早前隨著電影《夜王》和《尋秦記》的上映，兩首舊歌《星秀傳說》和《天命最高》都被樂迷和網民重新回味，巧合地兩首歌曲都隨電影推出全新版本。《星秀傳說》除了加入Rap部份，更將音樂風格更新，從千禧年代流行的Rave電子舞曲類型，換上現今流行的Techno聲音，命名為Shine一次version；而《尋秦記》則推出賀歲版，編曲加入賀年元素外，亦加重鼓點部份讓歌曲的推進性更強。雖然兩首新版在名稱上沒有標明，但意義上卻是電子舞曲中常見的Remix。乘著兩首歌曲的復興，本月專欄藉此與讀者深入了解Remix的文化。

為歌曲穿上全新的衣裳

Remix在中文譯作重新混音，然而它的含意比字面意思更深。混音一般可理解為透過音樂器材或軟件，經過例如Balancing、 EQing及Compression等程序，讓歌曲成品達至音樂人所希望的模樣。但Remix並不單是重新經歷以上混音程序，在現代舞曲的認知中，Remix更會改變歌曲的音樂類型，將它改頭換面，為歌曲穿上全新的衣裳。簡單而言，就是電子舞曲世界的重新編曲。

筆者最初接觸Remix時十分抗拒，認為它沒有存在的必要。在喜歡的歌曲推出Remix時，並不會讓我愛屋及烏，因為原版的一切才是我愛上這首歌的原因，Remix後已不再是我愛它的模樣。

直至有一次，我在夜店聽到MAGIC!的《Rude》後十分喜歡，回家搜尋後才發現我聽到的是Zedd的Remix，經過他重新編曲後變成更適合在夜店播放的EDM風格，相反原版的曲風則是走Reggae風。那時我便明白，重點不在於那首歌是否Remix，說穿了也是個人喜好，以及接觸的先後次序。由於我最先接觸《Rude》是Zedd的版本，這令原版在我的認知中更像Remix。

Remix為歌曲帶來新生命

自此以後，我便開始了解Remix的樂趣。聽眾能透過Remix欣賞不同音樂製作人對於同一首歌的演繹，尤其是跨類型的Remix更讓人驚喜。例如已故瑞典電音傳奇Avicii在2011年推出的經典《Levels》，是一首Sample了Etta James《Something’s Got A Hold On Me》的EDM Progressive House作品。其後官方推出了一首Remix是由Skrillex操刀，歌曲從EDM Progressive House一躍變成當時另一流行電子音樂派系Dubstep，這種意想不到正是讓人沉迷的地方。

除了當代歌曲的Remix，舊作的Remix亦很常見。除了為舊歌披上現代音樂風格的衣裳，更有機會藉此讓年輕的樂迷重新認識舊作。例如知名音樂人Wuki和Lee Foss在2023年推出了《To Be Real》，筆者當時被歌曲開首的銅管樂以及Drop前的一句Vocal「To Be Real」吸引，後來才發現這是一首1978年的Disco作品，由Cheryl Lynn演繹的《Got to Be Real》。正正是一首Remix的出現，能夠讓樂迷接觸到45年前的經典Disco舞曲，延續了一首歌曲的生命。

從Remix開始的音樂仕途

Remix不單成為樂迷接觸不同音樂的橋樑，更是DJ或製作人成名的起點。不少DJ或電子音樂製作人在尚未打響名堂前，與其推出原創歌曲，會選擇製作Remix，希望更容易引起樂迷或行內人士的關注。

荷蘭知名DJ及製作人Martin Garrix在年幼時，憑著Remix西班牙音樂人Enrique Iglesias的《Tonight (I’m Loving You)》而被著名音樂廠牌Spinnin’ Records看中，簽約成為旗下藝人，及後憑《Animals》爆紅全球。

Remix還有另一個實際功能，就是為DJ服務，讓一首歌曲變得更適合DJ在舞池播放。以上述提及的《Rude》為例，改變曲風是其中一種方法，從Reggae變成EDM Progressive House，更適合在一般夜店播放。

另一種處理便是把歌曲的前奏和結尾用節拍延長，一般稱為Extended Mix。除此以外還有各種各樣相似的稱呼，例如Club Mix便是將歌曲尤其是鼓點部份加強，讓歌曲的能量更適合在夜店（Club）裏播放。這些版本都是按照不同需要而製作，普遍的目的都是為了讓歌曲更適合DJ播放而存在。

牙買加的Sound System文化

由此可見，Remix的存在大致可分為藝術創作和實際需要兩個層面，而後者亦是現代Remix出現的開端。現代Remix的根源可以追溯至60年代的牙買加Sound System文化。二戰後的Kingston有不同人士組成一種叫Sound System的團體，當中包括DJ、音樂工程師和MC等。他們用卡車載著發電機、唱盤、大型喇叭，在街上舉行派對，起初主要播放美國的R&B 音樂。當中以華裔牙買加人Tom Wong的Tom the Great Sebastain最為成功，令不少Sound System隨之誕生。

在1950年代中期，Sound System變得盛行，各團體之間更會出現被稱為Sound Clash的街頭對決，透過DJ的選曲品味和MC的Toasting技巧，吸引觀眾支持從而壯大Sound System的聲勢。步入1960年代，牙買加獨立後Sound System減少播放美國音樂，轉為推廣當地音樂，例如Ska和Reggae等。

Version的誕生

Sound System間的競爭持續激烈，各團體都渴望製作出自家專屬的音樂吸引群眾。在1968年，一位Sound System操作員Ruddy Redwood在錄音室錄製一張唱片（dub plate），然而工程師Byron Smith意外地漏掉了人聲，Redwood則保留了這個純音樂版本並在派對上播放，MC則在節奏上Toasting，概念就像Hip Hop世界中Rapper隨著音樂和節奏Freestyle。

這次意外形成了新的表演方式，各Sound System陸續仿效，把音樂去除人聲以外，加入不同聲音效果，以及按需要剪輯音樂，錄製成放於B-side的不同版本（Version）。隨著牙買加音樂製作人例如Lee “Scratch” Perry的推動，Version的存在意義在70年代早期漸漸被確立，其後更發展成Dub這種強調節奏部份的音樂子分類。

被喻為Hip Hop之父的DJ Kool Herc在牙買加Kingston成長，小時候目睹過街頭的Sound System文化。他在13歲時移居美國紐約，後來開始擔任DJ，在70年代的The Bronx地區舉辦屬於自己的街頭派對。他表示自己喜歡播放一些較慢的音樂（Slow Music），James Brown的《Give It Up Or Turnit A Loose》和Incredible Bongo Band的《Bongo Rock》都在他的歌單中。直至有一天，他實驗將歌曲的Break部份延長，透過兩個唱盤不斷來回切換同一段落，就像即席Remix歌曲。這為舞者提供空間發揮，成為他聞名的DJ技巧「Merry-Go-Round」。

Disco Mix之父Tom Moulton

回到錄音室層面的Remix，在70年代的紐約亦有一位重要人物，他的名字叫Tom Moulton。熱愛音樂的他在朋友的推薦下，去到美國長島南部的渡假勝地火島，對白人聽著黑人音樂起舞的景象感到驚訝。可惜，DJ的不濟無法把人們留在舞池，尤其在轉歌時人們失去節奏而離開。

Moulton發現歌曲的第一拍往往是令人離開的原因，他認為可以有更好的做法，便決定製作現今被稱為Mixtape的音樂。他把兩首歌重叠，在上一首歌結束前，已開始進入下一首歌。同時，他認為3分鐘左右的歌曲太短暫，當人們開始投入，歌曲便完結。於事他把歌曲延長，讓氣氛得以維持，最終花了80小時製作一段45分鐘的Mixtape。

不過，Tom Moulton的Mixtape在起初的反應不太理想。直至數星期後，他收到一通來自餐廳Sandpiper合伙人Ron Malcolm的電話，Malcolm表示客人非常喜歡Moulton的Mixtape，更希望Moulton可以每星期為他製作一個新Mixtape。Moulton回覆說由於工作量太大，只能在假期時供應。隨著Mixtape的成功，Moulton獲唱片公司Scepter Records邀請，為旗下的歌曲進行實驗。

Scepter Records的Mel Cheren憶述，Tom Moulton運用他的技巧，將歌曲重新編排及延長，令Don Downing一首不過不失的歌曲《Dream World》變得十分精彩，將歌曲提升了幾個層次。自此，Tom Moulton便受邀製作更多音樂單位例如B.T. Express的歌曲。他將歌曲重編和延長的做法，令一首歌為聽眾帶來一浪接一浪的刺激，而不會因太快完結而失去動力，這種做法亦為DJ提供更多空間和自由進行現場混音。Tom Moulton的創新，為他贏得「Disco Mix之父」的美譽，更重要是奠定往後舞曲Remix的基礎。

多元化的舞曲變奏

從牙買加音樂文化的Versions，到Tom Moulton的Mixtape和Disco Mix，一首歌曲所衍生的其他版本都主要為服務舞池而生。但隨著50年的演變，這些版本的出現亦從功能性主導，發展成音樂人的藝術表達，豐富了Remix在現今電子音樂世界的含意，詞彙的標籤亦分得更仔細。

按特定用途而製作的版本，會被冠上例如Extended Mix或Club Mix等字眼；音樂人在網上發佈自行製作的非官方Remix，會被稱為Bootleg；Bass音樂則常以Flip去代表Remix的意思。還有Remix的近親，將不同歌曲融合為一體的Mashup。透過這些特別命名的版本，樂迷更能深入享受電子音樂的多元化魅力。