【Art Central/專訪】在2026年的今天，當AI演算全面滲透生活、打工仔沒日沒夜過勞工作，我們走進藝術展會，究竟想看到甚麼？今屆首度參與Art Central的獨立策展人容穎怡（Zoie）交出了一份極具實驗性的答卷。她以這個時代的「無力感」與「極端勞動」作為切入，將VR、AI、甚至流行文化中的MV影像搬入展場。

尋常觀眾在Art Central，第一眼往往落在那些容易入屋、便於收藏的架上繪畫或雕塑。然而，當你走到由Zoie操刀的策展區域時，氣氛卻截然不同，這裡有探討AI機器學習的錄像、反映情緒病患視角的VR體驗、探討極端勞動的行為藝術，以及拆解MV視覺語言的放映會。

那麼，在這個時代，為甚麼要做這樣的一種實驗性策展？面對2026年的香港觀眾，藝術又該以何種姿態介入生活？這次我們與Zoie坐下深談，從她這次涵蓋委約創作、放映、講座與行為表演四大範疇中，尋找她的解答。

香港觀眾已步入「後M+時代」

「這幾年最大的變化，我稱之為『Before and After M+』（M+博物館開館前後）。」Zoie表示，這也對她的策展產生影響。

回想數年前，普羅大眾對於當代藝術的認知往往停留在價格標籤上。「以前做展覽，觀眾最常問或者留言的，往往是『這件東西很貴』、『看不懂，為甚麼值這個錢』。」但隨著M+等大型視覺文化博物館的普及，香港觀眾的藝術胃口與詞彙庫都經歷了一場升級。

Zoie分享了一個有趣的觀察：「我之前為了寫論文，在社交平台（如Threads）看大家對M+開館展覽的照片和看法。結果不僅收集到大量照片，還引來了極多長篇大論的深度留言，甚至吸引了身在台灣的香港學者寫下長篇的視覺文化評論。你會發現，現在的香港觀眾極度喜歡討論『甚麼是藝術』，他們極度渴望參與其中。」

這讓觀眾不再單一地以價格衡量藝術，而是學會了跨學科、跨文化的解讀方式。當觀眾準備好包容更具實驗性的作品時，策展人便有了更大的空間去推動前衛的議題。「既然大家已經習慣了這種視覺文化，我就很有信心在Art Central這樣的大型展會中，放入一些平常在美術館才會看到的作品。我希望建立大家的『文化議價能力』，讓他們知道，藝術不僅僅是掛在牆上的畫，它還可以是反映我們當下生活狀態的任何媒介。」

為「躺平」的年輕世代平反

整個項目的起點，來自今年的委約藝術家Kaitlyn Hau（侯嘉琪）。在香港，要發掘全新的新媒體藝術家並不容易，上一波為人熟知的新媒體藝術家如唐納天（Nadim Abbas）、黃炳等人，大多是在2008至2010年間嶄露頭角，轉眼已過去差不多二十年。

時隔多年，Kaitlyn的出現讓Zoie眼前一亮。「她是一個『One Man Band』，自學VR和動態捕捉技術。而且她本身是一位情緒病患者。她沒有用高科技去包裝華麗的視覺，而是非常切實地利用VR影像去呈現一個情緒病患者第一眼看到的世界。」

Kaitlyn這種缺乏龐大技術團隊支援、單打獨鬥的創作狀態，其實是當下年輕創作者的普遍困境。「現在的年輕人基本上都是『Slasher』（斜槓族），不僅是因為他們能力多元，更是因為機會比以前少，他們必須身兼多職。」Zoie指出。

這種狀態直接催生了「行為表演」環節的誕生，Zoie將主題命名為「長夜與極晝」，探討藝術界中常被忽視的「不穩定勞動」（Precarious Labor）。「大家以為藝術家的工作就是光鮮亮麗地出現在畫廊開幕禮上，但其實背後是無日無夜、極度漫長的工作方式。即使你在睡覺，你的大腦還在運作，這是一種勞動力極度被剝削的狀態。」Zoie希望透過表演，為這群常被誤解為「躺平」或「懶散」的年輕世代平反，展現他們在資源匱乏下依然堅持創作的韌性。

帶領觀眾戰勝演算法

而在「放映」環節，Zoie就將視角轉向了人工智能（AI），也是近年最受爭議的議題之一。「因為Kaitlyn的作品涉及AI機器學習，所以我一開始就決定放映環節要與AI有關。」

Zoie挑選了藝術家江一帆的手繪動畫作品。這部作品探討了AI如何嘗試去理解人類的世界與情感。「當我們談論AI時，往往覺得它很強大，但江一帆的作品卻點出了AI的『理解不能』。那種無法真正觸及人類情感的『Hopelessness』（無力感），配合極度浪漫的手繪動畫形式，產生了一種強烈的張力。」

在2026年，當演算法已經可以精準預測我們的喜好、甚至生成以假亂真的影像時，人類的情感似乎正被逐漸抹平。Zoie形容這就像是「房間裡的大泡泡」，我們被困在資訊的迴音壁（Echo Chamber）中。「但藝術可以是一種Manifest（顯化）。你可以透過觀看、透過理解，去訓練演算法，甚至戰勝演算法。」

從MV到「慢藝術」

除了AI，這次放映與講座環節的另一個重頭戲，是探討「MV」作為一種當代藝術媒介的價值。在抖音、Reels等短視頻主導眼球的今天，Zoie試圖帶領觀眾回到從前。

「大家可能忘記了，抖音一開始其實是一個對嘴夾口型的音樂平台，它的本質就是一個無限循環。而我們現在在網上看到的很多視覺語言，其實早在幾十年前的MV拍攝手法中就已經出現了。」Zoie解釋道，MV與新媒體藝術其實是雙生兒。當年專業攝影器材開始轉為民用時，創作者必須在極低的成本和有限的三分鐘內，發揮無限的想像力，從而誕生了MV極具衝擊力的視覺語言。

為此，她特別邀請了定義了香港某個年代流行美學的著名導演區雪兒參與。「Susie當年用16mm菲林為王菲拍攝MV，因為菲林上鏈一次只能拍45秒，所以王菲只能分段對嘴，這種基於媒介限制而產生的硬剪接，反而成為了一種極具前衛感的新媒體思考方式。」此外，展覽亦涵蓋了國際知名藝術家Jon Rafman以MV媒介創作的最新作品，以及本地藝術團隊Half Talk，展現MV如何作為一種具前瞻性的當代藝術形式，去想像未來。

在一個習慣了三秒鐘滑走一條影片的時代，要求觀眾在藝博會中停下腳步看錄像，無疑是一大挑戰。但Zoie對此抱有另一種看法：「我們沒有可能跟真正的短視頻競爭，所以我們的態度是『Invite, Not Demand』（邀請而非強求）。這是一種『慢藝術』的實踐。我不是要強行向觀眾灌輸甚麼大道理，我只是提供一個空間，邀請你坐下來，花一點時間去凝視。因為有些作品，你在手機螢幕上看，跟你在現場線下感受那個光影與空間，是截然不同的兩回事。」

選擇「慢藝術」是一種姿態

訪問來到尾聲，筆者不禁問道：在Art Central這樣一商業藝博會中，展出這些難以被私人藏家買回家掛在牆上的錄像、VR和裝置藝術，最終的意義是甚麼？Zoie的回答非常現實：「正因為這些作品很難在一般的商業畫廊中售出，所以我們更需要透過這種委約和策展，讓它們在大型商業情境中曝光，這是一種我們要表明的姿態。」

她強調，藝術市場與學術機構從來都不應是對立的。「我們希望透過這些展出，讓大型美術館和機構看到這班年輕藝術家。機構的收藏對於新媒體藝術家來說至關重要，因為這往往是他們賴以生存並繼續創作的唯一途徑。在藝博會中，賣得最好的往往是賣給了美術館。」

在2026年的香港，當我們走進Art Central，或許我們不需要急著問「這件作品值多少錢」，只要你願意停下腳步，就依然有與藝術產生共鳴的空間。