如果說這個夏天日本最火的視覺形象是什麼，大多數人會回答——那個像細胞一樣分裂、螺旋、繁衍的圖形。它幾乎出現在所有公共空間的顯眼位置：機場、高鐵站、城市街頭、電視廣告，甚至成了社交媒體上的新潮流。這是2025年大阪世博會日本館的主視覺，由平面設計師色部義昭操刀。

有人盛讚它象徵了當代日本對未來社會的願景，也有人質疑它太過抽象、缺乏親切感。但不可否認，它已成為當下日本最具辨識度的國家級設計符號。而它的創作者，今年51歲的色部義昭，早已在日本平面設計界擁有極高聲望。

把細胞變成會動的Logo　點圖放大看看色部義昭設計的2025年大阪世博日本館主視覺：

如果在中國公眾的認知中，原研哉代表着「設計的美學理想」，那麼色部義昭則更接近「當代公共空間的視覺秩序建構者」。他是日本設計中心的藝術總監，多年來致力於打造涵蓋導視系統、城市標識與展覽空間的「系統設計」，其作品遍佈日本城市日常。他的設計，克制、精準、系統化，卻又處處流露出詩意與關懷，潛移默化地影響着普通人的日常。

7月末的上海外灘，復星藝術中心人頭攢動。來自北京、深圳、杭州的設計師、設計愛好者擠滿了整個一樓演講大廳。而展覽本體《一天世界：Graphic Design in Japan》正在二三樓展出，被稱為中國有史以來最大規模的日本平面設計巡展，匯聚原研哉、北川一成等300餘件作品。

作為開幕嘉賓之一的色部義昭到場演講，現場掌聲雷動。他穿着一身「黑」，領口釦子扣到最上一顆，看起來安靜又嚴謹。在對話時，他糾正我說自己穿的其實是日語裏的「紺色」（藏藍色）。對於色部義昭來說，顏色、比例、字體、距離，乃至每一寸留白，都必須說得清楚。在這個訊息過載的時代，我們每天都在面對成千上萬個圖形與指引，卻很少有人去想：這些訊息如何抵達我們？ 而這，正是色部義昭每天都在思考的。

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大阪世博會日本館　把細胞變成會動的Logo

「生命與生命之間的連接」，這是2025年大阪關西世界博覽會日本館提出的主題。對於這個略顯抽象的命題，色部義昭接下的任務，是用視覺語言將其具象化，並傳達給來自世界各地的普通參觀者。儘管這個形象從公布之初就伴隨着爭議，但它依然代表了他在國際舞台上的一次關鍵亮相。

我最開始的想象就是，既然說的是『循環』，那它就不該是一個靜止的形狀。它應該是會動的。

在他的設想中，「生命」並非一個平面符號，而更像細胞那樣，有自我生長與變形的能力。於是他從「分裂與融合」這個圖像母題出發，設計出一個既像粒子也像生態網絡的符號系統。最終呈現出來的日本館logo，像是在不斷呼吸，不斷演化，帶着一種看得見的「生命感」。

但這並不是一蹴而就的設計。Logo初稿一開始長得完全不同，他坦言：

圖案運用到不同空間、不同媒介上，要反覆試驗。有的版本太平，有的放到展館外牆上就不夠清晰。我們經歷了很多次『不合適』後，才找到了這個形態。

這個系統最終不僅成為日本館的主視覺，也延伸至展廳內部的標識、宣傳視頻、社媒素材。發布之後，這個以細胞狀環形為基礎的logo迅速在全球設計圈引發關注。有人讚歎它「打破了國家館logo的一般刻板印象」，稱其為「極富生命力的實驗」，也有人提出質疑，認為它「讓人聯想到病毒」「不夠莊重」，在社交媒體上，它一度成為最具爭議的logo之一。對此，色部義昭保持了相當克制的態度——爭議並非壞事，總好過沒有任何反饋。

對色部而言，這次項目的挑戰不止圖形創意，更在於他如何平衡城市形象與國家認同。

我其實不喜歡太刻意表現日本的傳統感。除非項目真的需要，我不會特別強調『日本風格』。但因為我受到日本畫的影響很深，比如那種扁平、留白的結構，可能自然就會體現出一些文化的底色。

這種理念在他和中國公司，比如goa大象設計以及江南布衣旗下女裝品牌LESS合作時也有體現。

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城市與人的對話　從一個路牌開始

如果你去過日本，大概率已經在不知不覺中見過色部義昭的作品。大阪地鐵、新宿中央公園、草間彌生美術館......這些日常公共空間中的導視系統，很多都出自色部之手。經過他的設計，原本冷冰冰的路標、地鐵圖、指示牌有了個性，也有了情緒。

比如最具代表性的作品之一，大阪地鐵的視覺系統。他將「Osaka」和「Metro」兩個元素結合起來，組成一個動感Logo，旋轉着向前推進，如同地鐵穿梭的節奏，也象徵大阪這座城市的能量與速度。整個標誌採用深藍色，配上動畫呈現，現代、簡潔、但不冷漠。有些項目則更注重細節與情感。他為市原湖畔美術館設計的導視系統，靈感來自湖面上的漣漪，所有的線條、箭頭都由點串聯而成，像一圈圈水波擴散出去。為了與美術館的清水混凝土呼應，標識統一使用白色與淺灰色，並隨着建築起伏做出凹凸的處理。這樣的設計幾乎「隱身」於空間，卻在視覺上極富層次感。這種語言也被延伸到周邊文創產品中，讓觀眾可以把一份觸覺記憶帶回家。

在澀谷，他為街頭設計了一塊鏡面不鏽鋼路牌，鏤空的孔洞像是把城市的風景細細分割開來。人們可以在它的反射中看到自己、也看到身邊的人。

澀谷是個多元交織的城市，我想讓這個標識既能提示方向，也能喚起某種人與人之間的感知。

還有草間彌生美術館項目，他以藝術家的親簽字體為靈感，涉及了整套視覺，讓觀眾在草間彌生的世界裏「難以自拔」。

這些作品之所以令人印象深刻，是因為他對標識注入的情感。他把標識比作「空間裏的聲音」：

在地鐵裏，這個聲音就要大一點，讓人一眼就能看到；但在美術館，它可以輕一點，卻依然得被感知。

他的設計不強調「風格」，卻總讓人有種親近感。他會把導視設計擬人化：

如果你設計的對象是個外向的人，它在空間裏的表現就要開朗；如果是個內向的人，它可能更含蓄一點。

哪怕是一塊小小的工地路牌，經由色部義昭之手後，都會帶有性格與情緒。這些看似微小的變化，卻在潛移默化中改變了人們對城市的感知，讓冰冷的建築物變得柔軟，也讓公共空間多了一點體貼和温度。

「把世界温柔地包裹起來」

在視覺語言越來越強調「抓人眼球」的今天，色部義昭顯得有些格格不入。他的作品多數時候都很安靜，卻能在不知不覺中浸潤人的生活，讓人意識到，原來「看見」也可以是如此細膩的事。與北川一成那種充滿張力、極具圖像表現力的風格不同，色部更在意的是「關係」——人與物的關係、人與空間的關係、物與物之間的關係。

最近，他正在籌備一個以「包裹」為主題的展覽項目，不過這個「包裹」指的不是商品包裝。

從設計角度重新思考『包裹』的意義。比如一個手機，外殼當然重要，但更重要的是它和人接觸的方式，是觸感、温度、姿態所帶來的體驗。

這種對生活細微處的觀察，貫穿他的設計日常。他說，如果一個廁所位於室外，那標識就要儘可能清晰明確；但若是建築內部空間本身就有氛圍，那導視就不該「打破」它的節奏，而應悄悄融合進去。

不是每一個場景都需要一個醒目的符號，空間本身也應該擁有更多的決定權。

這次在上海復星藝術中心展出的《一天世界：Graphic Design in Japan》，提供了一個觀察色部義昭與其他日本設計師的絕佳舞台。作為日本平面設計協會（JAGDA）主辦、首次系統引入中國的代表性展覽，該展集合了原研哉、北川一成、植原亮輔等百餘位設計師的300餘件原作，涵蓋包裝、字體、影像、海報、空間視覺等多個維度。不同設計方法論之間的「靜與動」、「隱與顯」，彼此對照，共同構成當代日本平面設計的複雜性。

技術在變化，媒介在更迭，但設計的本質，始終是人與人之間可感知的觸感。

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